“新媒体”教育需谨防理念泡沫

近年来，随着互联网的发展，以及家庭观影和录影设备的普及，影像的拍摄、制作与传播空前活跃，一个新媒体“读图时代”已俨然开启。在此背景下，许多艺术院校和大学都纷纷开设了与影像媒体制作相关的专业，名为“媒体艺术”“新媒体艺术”或“数码艺术”等等，称谓虽不同，但实质上并无太大差异。

当下的媒体艺术，从技术构成手段来看，主要涉及了静态图片、动态视频影像以及计算机图形等领域。此类专业中，都无可避免地涉及到动态影像的教学问题。然而，除个别附设在影视专业院校中的媒体艺术专业外，大多数相关专业创办前并无太多动态影像教学的经验积累，普遍存在着一些问题。

最常见的问题是对动态影像中运动功能和效果的忽视。由于许多此类专业开设在美术院系，在动态影像的教学问题上，常常是无意中沿袭了原有的平面视觉思维模式，以单一的静态评价体系来考量动态影像的效果。这样做的结果，往往是画面和构图的视觉效果被过分强调，而作为动态影像中特有的运动和剪辑的价值却未被重视，从而使得其动态的特点和潜力无从展示，沦为了会动的照片。

另一方面，尽管一些敏锐之士充分意识到了静态与动态的差别，并努力寻求媒体艺术在动态影像领域中的自我定位，但往往在缺乏对影视技术和艺术的基本了解和准备的情况下，主观上对其先行回避，常常抛开二者在设备技术层面和艺术技巧层面的基本共性。而这样的思维模式在教学中所造成的后果是：学生不仅对影视发展史上已有的重要作品和成果知之较少，不知有爱森斯坦、维尔托夫、布努埃尔和玛雅·德伦，不了解伯尔曼、安东尼奥尼和大卫·林奇的作品；同时，在技术使用上也不甚了了，不知何谓白平衡、何谓景深变换，拍摄时仅仅会使用自动功能，对手中设备的运用能力，往往与一般的家庭影片制作者差异不大；而在拍摄和剪辑的构思和运用上，对运动镜头的掌握和蒙太奇节奏的把握能力就更加匮乏。

有的时候，尽管这种对影视艺术和技术的学习被借鉴引入，但操作上又流于大众类作品。新奇效果和大场面的制作被许多人追捧热赞，而艺术电影和实验电影等先锋作品却无从得知。许多本应该是做独特艺术探索的创作者，视觉经验上却多与非专业的一般观众无异，平日里成为好莱坞大片和选秀节目的忠实拥趸。

在教学者、创作者和评价者普遍缺失影像历史认知、操控技术和全面眼光的时候，身处市场导向和自我宣传语境中，我们看到，许多出现在各个大小展览上被冠以“先锋”和“实验”的动态影像作品，无论在艺术能力和创作理念上，实际上都普遍落后于上个世纪二三十年代时期电影探索者们的作品。看看爱森斯坦的《十月》、布努埃尔的《一条安达鲁狗》和《黄金时代》，再看看后来者阿兰·派克在1981年拍摄的《墙》，笔者认为，目前的这种影像状况，不能不说是一种悲哀。

笔者以为，在新媒体艺术类专业的动态影像教育中，有几个方面不能忽略。一是对基本影视技术和艺术技巧的掌握，先学习了解而后才能超越常规。二是对影视发展史上的重要成果的学习。先锋影像和艺术电影、音乐录影（MV）、非主流短片甚至电视广告等，这些都是不可或缺的重要视觉经验。只有了解和汲取了前人的经验，才能真正做到避免重复，也才能开创自我。此外，要创建一种广阔的自我视野，不断叩问和挑战影像创作的可能和界限。只有如此，“新媒体”教育才能在理念膨胀的泡沫中真正得以发展，在这个新的媒体时代为影像艺术新的空间拓展负起探索者和先行者的重担